Apolo y Dafne

Hoy vamos a hablar de otra de nuestras esculturas preferidas, es la escultura barroca que lleva por título Apolo y Dafne cuyo autor fue Bernini.

Cuenta la historia del dios Apolo y de la ninfa Dafne: el dios Apolo amaba a Dafne, pero la ninfa no le correspondía y le esquivaba. En una ocasión, Apolo perseguía a Dafne y esta huía hacia las montañas para esquivarlo. Cuando el dios estaba a punto de alcanzarla, la joven dirigió una plegaria a su padre (Zeus), suplicándole que la metamorfoseara para poder escapar. Su petición fue escuchada y concedida y en aquel momento la joven empezó a transformarse en un laurel.
De sus pies iban saliendo raíces y sus extremidades se convertían en frondosas ramas del árbol que desde ese momento fue consagrado al dios Apolo y pasó a representarlo.

Bernini ejecutó este grupo escultórico por encargo del cardenal Borghese, en el periodo comprendido entre 1622 y 1625 y es, sin duda, una de sus más afanadas obras de escultura. El tema es estrictamente mitilógico, está sacado de una de las narraciones de Ovidio en su metamorfosis. Bernini combina en esta obra la belleza clásica idealizada de las figuras, con el ritmo y movimiento que imponen los gustos barrocos y con la expresión de los sentimientos. La composición está estructurada en torno a lineas diagonales que se originan por la proyección de los cuerpos y las formadas por los brazos de los personajes. El naturalismo que naturalmente imprime este tipo de esculturas, se ve acrecentado por el movimiento de los paños y cabellos, que se agitan y se arrastran por la inercia de la carrera.
La textura de la superficie es interesante. Bernini supo tratar magistralmente la materia para diferenciar con nitidez las naturalezas del cuerpo de Dafne, pulido, terso y sensual, y la transformación en laurel, delicado y frágil en las hojas y leñoso en el tronco; capta la metaamorfosis en pleno desarrollo, haciendo así antimodelo de lo cotidiano, en donde solo percibimos la variación de las formas como resultado de una transformación como un estado definido, no como un proceso.

Gianlorenzo Bernini (1598-1680)

Luis XIV (1666)
Este retrato de Luis XIV fue realizado por Bernini durante su visita a Francia.

En estos retratos Bernini gusta de representar la moda de la época, mostrándonos las grandes pelucas utilizadas. Los abundantes pliegues dan dinamismo a la figura y generan una difuminación de carácter pictórico.

El gesto es altanero y lleno de dignidad, inherente a su importante posición como monarca, y sus rasgos muestran un sentimiento de distanciamiento e imperturbabilidad.

Il Gesù (1568-1584)

Aquí tenemos Il Gesù, casa matriz de la Compañía de Jesús, fundada por San Ignacio de Loyola, una de las ordenes surgidas con la Contrarreforma. Esta iglesia es iniciada en 1568 y consagrada en 1584. Fue financiada por Alejandro Farnesio, sobrino de Paulo III, siendo encargada al mejor arquitecto italiano a la muerte de Miguel Ángel, Vignola. Éste era el arquitecto preferido del papa y arquitecto de cámara de los Farnesio. Al margen de la arquitectura era también tratadista, publicando en 1562 los Cinco libros de Arquitectura. Hasta 1568 era bastante frecuente el modelo de planta centralizada, habiendo realizado Vignola varias obras según éste, pero en esta obra es impuesta la planta longitudinal, al considerarse la planta centralizada como susceptible de paganismo. Así se vuelve a las plantas longitudinales al ser consideradas como tradicionales.

Por otra parte, existe el precedente de San Andrés de Mantua, de Alberti, como un modelo claramente tipificado y que es impuesto a Vignola. Con esta planta se buscaba una gran capacidad y reflejar la forma de la cruz, permitiendo también la celebración de varias misas simultaneas en las capillas. Por otra parte, con esta planta se buscaba reflejar una clara tradición cristiana.

En la fachada podemos ver algunas de las características más destacadas del Barroco. Esta no fue realizada por Vignola, que fue apartado de las obras en 1573, que fueron continuadas por Giacomo della Porta, discípulo de Miguel Ángel, el cual rediseña la fachada. Esta era en un principio más horizontal y oblonga, con las pilastras más destacadas y realzada la nave central. La fachada realizada es más vertical, con menos resalte de las pilastras y menos destacada la nave central. Ambas fachadas eran de dos pisos, coordinados mediante el uso de aletones. Los aletones son un elemento de enmascaramiento, utilizado para articular el piso inferior con otro superior de menor anchura, ocultando los machones que llevan el empuje de las nuevas fachadas.

La fachada se articula mediante pilastras y el ritmo exterior reproduce el ritmo interior, reflejando la distribución de las naves. La parte central se encuentra destacada mediante el uso de medias columnas y un doble frontón doble, en el que un frontón curvo engloba a otro recto (los frontones englobados serán característicos del Barroco posterior), marcando el eje axial. Existe un cierto dinamismo en la fachada, pero esta sigue siendo bastante plana, únicamente con un ligero movimiento en el frontón y el ritmo generado a través de las pilastras. La fachada se encuentra decorada con dos escudos marcando el eje axial, y dos estatuas flanqueando el acceso principal. Esta obra será el prototipo usado durante el primer tercio del siglo XVII, en el uso de las pilastras y nichos

El interior del Gesù fue decorado a partir de 1670 en clave barroca, desvirtuando la concepción original. El espacio interior se encuentra vinculado al de San Andrés de Mantua.

Escultura Barroca

La escultura barroca española tiene una serie de características propias:

Predominio de los temas religiosos (En España, como ocurrió durante el Renacimiento, el arte barroco es básicamente religioso).

Realismos para extremar el realismo de las figuras se recurre a postizos como el empleo de pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real).

Empleo de la madera policromada como material preferido.
El cliente más importante es la Iglesia y en segundo lugar la Corte.
Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa.
Se produce la decadencia de la escultura funeraria.
En el Barroco Español es necesario clasificar su arte en diferentes escuelas:

La escultura barroca de la Escuela Andaluza, aunque también es realista, emplea un realismo más clásico, más sereno. En esta escuela predomina la técnica del estofado.

Dentro de la escultura barroca andaluza debemos hablar de dos centros: creadores:

Sevill: Cuyos principales artistas son Martínez Montañés y Juan de Mesa.
Granada: Representada por Alonso Cano y Pedro de Mena.
Martínez Montañés

Cristo de la Clemencia
Se trata de la escultura del Crucificado. Sin embargo, en ella no hay realismo violento.
Se representa a Cristo aún vivo. También, esta obra denota una gran perfección anatómica.

La Inmaculada
Es una estatua donde La Virgen, idealizada, se encuentra sola representada sobre nubes con ángeles mirando hacia abajo. Su posición es piadosa. María lleva manto amplio hasta los pies, en el que se utiliza la técnica del estofado.

Retablo de Santiponce
La Adoración de los pastores es un altorrelieve de composición bastante simétrica.

Juan de Mesa

El Jesús del Gran Poder
es una escultura de Cristo llevando la cruz, con patética expresión de cansancio y dolor. Se trata de una escultura de vestir.

Alonso Cano

Alonso Cano fue un artista muy completo, lo cual es algo excepcional entre los artistas españoles. Destacó especialmente como escultor, donde se empleó con un gusto clasicista por la belleza y la armonía.

La Inmaculada de la Catedral de Granada
La Virgen es esculpida con rostro joven, mirando hacia abajo y con las manos en actitud piadosa. Lleva un manto azul que se ajusta al cuerpo a manera de huso. Sus pies se apoyan sobre nubes y ángeles.

Otras de las obras de Alonso Cano son la Virgen de la Oliva y el Retablo de Lebrija.

Pedro de Mena

Pedro de Mena fue un escultor tendente a la realización de representaciones místicas y también dramáticas, con exaltación de los sentimientos.

Algunas de sus obras fueron la Representación de la María Magdalena, San Francisco de Asís y Ecce Hommo

Velazquez

Diego Velazquez(Sevilla 1599- Madrid 1660)

El aprendizaje lo realiza en el taller de Francisco Pacheco, de quien se convertira en yerno al casarse , en 1618 ,con su hija.El " sevillano"como va a ser conocido n la corte de Felipe IV. Velazquez se marcho a madrid ,y luego hizo dos viajes a Italia .El recorre muchas ciudades copoiando en el Vaticano a Rafael y a Miguel Angel ,cuyas experiencias podemo ver en "La fraguata del vulcano"

El tambien hizo retratos como el de su criado "Juan de pareja" y el politico "Inocencio x"

En su segundo viaje a italia se demoro tres años yhoy sabemos que esta tardanza se debe en parte al nacimiento de un hijo que bautizo con el nombre de Antonio ,tenido con una dama romana,a quien presumiblemente retraro en la preciosa "Venus del espejo".A su vuelta , fue nombrado aposentador del palacio y ,poco antes de morir ,recibio el habito de la orde

Murillo

Bartolomè Esteban Murillo

Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 31 de diciembre de 1617 – Cádiz, 3 de abril de 1682) fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española que, tras haber decaído en estimación a principios del siglo XX, vuelve a gozar de importante reconocimiento mundial.

Es quizas el pintor que mejor define el Barroco español
En sus primeros trabajos empleó una luz uniforme, sin recurrir a los contrastes. Pero este estilo cambió en la década de 1640 cuando estaba trabajando en el claustro de San Francisco. En él se podía apreciar un marcado acento tenebrista, muy influenciado por Zurbarán y Ribera. Este estilo se mantuvo hasta 1655, momento en que Murillo asimiló la manera de trabajar de Herrera el Mozo, con sus transparencias y juegos de contraluces, tomados de Van Dyck, Rubens y la escuela veneciana. Otra de las características de este nuevo estilo fue el uso de sutiles gradaciones lumínicas con las que consiguió crear una sensacional perspectiva aérea, acompañada de la utilización de tonalidades transparentes y efectos luminosos radiantes.

Ribera

Jose Ribera [Xátiva(Valencia),1591-Nápoles,1652]conocido en Italia con el apodo del "Spagnoletto",debido a su pequeña estatura , es una figura estelar de la pintura barroca europea.Contribuyó a forjar a la gran escultura napolitana ,que le reconocio como su maestro indiscutible;y sus obras ,enviadas a españa desde fechas muy temprana,alertaron en técnica y modelos iconográficos a ls pintores locales.

su estilo variará desde el naturalismo tenebrista caravaggiesco hacia posiciones propias ,donde sintetiza su idiosincracia mediterránea con el color y la luz de Tiziano y de Rubens